The Iguanas: El Huracán de Nueva Orleans

Nueva Orleans la tierra de la música, las culturas y los huracanes. Catrina arrasó con el lugar donde surgieron las fusiones más importantes del jazz y las culturas de América. Su proceso de reconstrucción se mantiene hasta nuestros días, es una tierra donde aún persiste el recuerdo de la devastación y la muerte de miles de seres humanos que no pudieron escapar de la furia natural y la incompetencia gubernamental del país más poderoso del mundo por la protección civil. De esta desgracia natural surge este bello disco, parte de ese crisol cultural donde conviven afroamericanos, descendientes de Europeos y latinos. The Iguanas hace una música fusionada, una mezcla entre tex-mex, jazz, rock, sones y música latina. El resultado es rico más si tomamos en cuenta una trayectoria de siete discos y un perfil subterráneo que los mantiene como una joya perdida dentro de la música llamada independiente latina. Dos saxofones que adornan las guitarras que suenan a Los Lobos, Calexico, Los Super Seven, Maneja Beto, por mencionar propuestas de músicos Chicanos que han desarrollado las raíces latinas con el rock, proyectos practicamente desconocidos en México que demuestran que es posible fusionar la música sobre los paisajes nacionales, sobre las bases del son y el jazz, sin pretender hacer un masacote de estilos y ritmos sin sentido. Cada canción de esta última producción realizada en Austin Texas bajo el exilio después del huracán, plasman el dolor y una alegria disfrazada de tristeza en letras que nos recuerdan a la música norteña influenciada por la polka, a la irreverencia de los sones jarochos, al country y al rock chicano del 70. Las iguanas transmiten frescura y creatividad, un sonido chicano jazzeado, la esperanza ante la desgracia.
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Adiós Amy.

Como si fuera parte de una ley artística morir a los 27 años bajo la desesperación, la angustia y la existencia como un proceso de la vida sin remordimientos abandonando el barco. El éxito, dinero y la buena música no son suficientes para afrontar los demonios y seguir mostrando buena cara a los días. La muerte de Amy confirma ese proceso de varios músicos que no soportaron y decidieron romper con el cotidiano,la farsa;el soportar una carga difícil a una edad donde las interrogantes surgen con mayor claridad.Interesante es que la cantante Londinense enamorada de la música negra de los 60 y 70 representa la nueva generación del mainstream en el soul-funk donde su deceso permitirá un mayor acercamiento a la profundidad e historia de estos ritmos y diversos interpretes, bandas y disqueras al paso del tiempo, pues la música de Amy influenciada principalmente por el soul, posee una calidad y un sentimiento que se alejan de los escándalos, el morbo y la estupidéz del periodismo de espectáculos, comprobando sus elementos musicales, productores y músicos antes que mostrar ese lado del típico rockstar interpretando movimientos y ritmos del pasado con una sensibilidad y calidad que han convertido a Amy Winehouse en la nueva mártir y reyna de nuestros tiempos. Aunque desgracadamente suceda el explotar su imagen de mártir y comercializar hasta donde más se pueda todo lo relacionado a su vida frenética, desgastar sus discos en antros, radios comerciales y convertir su música en otro producto masivo que termine por darle la razón a un sistema de fanatismos y dioses sobrevalorados. Gracias Amy por discos tan buenos, y canciones llenas de sentimiento y conocimiento de la verdadera música negra, aunque por el momento tardaremos un buen rato en desempolvar tus discos para escucharlos con toda la intención y respeto que merecen.

El Son Montuno en México.

Este trabajo fue parte de una ponencia que realizamos mi amigo Antulio García y su servidor el año pasado en el foro de músicas tradicionales del museo de antropología de la ciudad de México, investigación que hemos estado realizando desde hace algunos años y que por falta de tiempo no hemos podido concretar, tanto el proyecto del documental como una publicación más seria de este fascinante tema. El Veracruz querido y abundante en cultura, el puerto que en algún tiempo representó el lugar de intercambios entre los principales puntos del caribe hispano especialmente con Cuba, hoy, alejado y sitiado por el narco, convertido en una zona de miedo auspiciado por un gobierno incompetente y traidor han convertido al puerto de Veracruz en un lugar que desgraciadamente vive de sus recuerdos y esencias, en el que aún a pesar de la adversidad mantiene su música como la mejor bandera de identidad. Decidimos subirlo al blog para dar una pequeña introducción y difundir dentro de nuestras aún limitadas posibilidades un ritmo trascendente para México y el pueblo Veracruzano, abajo les dejamos una grabación de uno de los grupos más representativos del Son montuno Jarocho.

El Son montuno en México
La presencia de músicos mexicanos en el proceso de los géneros afrocubanos, su desarrollo, transformación, decadencia y explotación en la globalización.

El son montuno
Introducción
Ritmo afrocubano que llegó a México en 1928 proveniente de la isla y que influyó en muchos de los músicos locales y nacionales, se convirtió en poco tiempo en un género que representó a varias generaciones en México y en el mundo. Diversos ritmos y manifestaciones culturales fueron adoptados y reinterpretados en el Puerto de Veracruz con base a los nuevos cambios en las concepciones del progreso y la modernidad
De igual modo el son montuno derivó en interpretaciones realizadas por músicos locales que le imprimieron rasgos culturales mexicanos, en la forma de cantar, ejecutar esta música, temáticas e interpretaciones.
Desde 1928 la música mexicana sufre una alteración histórica, cultural y social con la entrada y el consumo del son montuno, abriéndole la puerta a géneros musicales que empezarán a ser apropiados por el grosso de la población como el son, el mambo, cha cha chá y más adelante la presencia de la Salsa. Se forja el país como un foro de exposición mediática, social, política, que desemboca en un público ávido de lugares por escuchar y bailar estos ritmos que más adelante será encerrada como música tropical.
Si bien se tienen registros de presencia africana en México desde el momento de la conquista y los grandes flujos de esclavos que fueron transportados al país durante la época de la colonia, es probablemente, durante finales del siglo XIX y principios del siglo XX cuando existe mayor flujo de migración cultural, principalmente musical y literaria entre el Caribe y la costa sureste de Estados Unidos de manera particular, Nueva Orleans, países como: Cuba, Puerto Rico, Haití, República Dominicana, Panamá, Colombia, Venezuela y México son participes de manera directa en estas interacciones sociales y culturales que desembocaron en buena parte de la música que consumimos como pueblos que comparten una raíz afrocaribeña.
Desde que el son montuno desembarca en el Puerto de Veracruz inicia un largo camino de efervescencia musical, literaria, fotográfica y cinematográfica alrededor de este género que encontrará en su camino a la salsa como parte continúa de un discurso social y cultural. Con el son montuno se da un paso que durante tres décadas abrirá las puertas a infinidad de músicos, arreglistas, directores de orquesta, productores, bailarines y bailarinas.
Entre muchos de los exponentes del son Montuno instalado en México encontramos al Son Cuba de Marianao (Cuba), Sonora Matancera (Cuba), Mariano Mercerón (Cuba,) Arsenio Núñez (Cuba), Eulalio Ruiz de Mantilla y Lico Madera (Cuba) Consejo Valiente Roberts (Cuba), Benny Moré (Cuba) y El Son Clave de oro (México) como uno de los grupos de músicos mexicanos que mejor supieron entender la música afrocubana, especialmente el son. Del mismo modo se buscó reinterpretar con la sensibilidad mexicana este género.
Este proceso resulta crucial tanto en la forma de reapropiar y reinterpretar la música cubana que se refleja en la creación de salones de baile específicos para esta música, el nacimiento de orquestas locales fusionadas con músicos mexicanos y cubanos, así como las grabaciones realizadas en territorio nacional que también fueron parte de otros procesos de gran trascendencia en el país y se vieron reflejados mediáticamente tanto en la televisión pero con mucho más presencia en la radio.

Transformación
Al mismo tiempo que avanzó esta segunda etapa de músicos caribeños se generaron líderes nacionales que marcaron pauta y siguieron las concepciones musicales de los creadores provenientes de Cuba, encontramos a los siguientes realizadores: Roberto Romero, Güicho Iturriaga, Pepe Macias “El tapatío”, Enrique Masselín, Ignacio “Cabezón” Téllez, Baldomero Roa, Chucho Rodríguez, Tony Camargo, Emilio Domínguez, Pepe Arévalo, Julio del Razo, Toña “La negra”, Carlos Daniel Navarro Lobo, Luís Ángel Silva Melón, El Son Clave de Oro, Los Diablos del Trópico, Son Veracruz, Los Cariñosos, Memo Salamanca, entre muchos otros músicos y agrupaciones que nacieron en el puerto de Veracruz y posteriormente encontraron su apogeo y emancipación en la capital del país



México fue donde se produjo variedad musical y se convirtió en una parada obligatoria para el desarrollo de la música caribeña especialmente Cubana y Colombiana.

Modernidad y la ruptura
La música tropical se transformó desde el momento de la concepción de la creación y reproducción de los elementos musicales, a la par de los medios de de difusión especialmente la Radio, Cine y Televisión, así como distribución de discos y salones de baile en los cuales se reproduce y fomenta la creación de públicos y la permanencia o decadencia de los mismos. Este momento y transformación social dan cuenta de una pérdida y falta de continuidad tanto en la migración de músicos Caribeños a México como en el declive de grabaciones, orquestas y públicos jóvenes. Nos referimos a la decadencia tácita que existe de estos géneros y el declive en la continuidad de esta música en su sentido original.

La industria cultural
En los últimos años la concepción y apropiación de la música tropical mexicana y afrocubana se ha quedado en producciones que la condenan a ser un producto de consumo para élites culturales que abanderados con la idea del rescate de estos movimientos limitan, segmentan y arrinconan estos géneros a movimientos casi folklóricos.
Ante un escenario global y las nuevas dinámicas en el flujo de información resulta sencillo encasillar y arrancar un movimiento cultural de sus raíces y de su historia.
Foros culturales y festivales
El festival Afrocaribeño realizado en Veracruz como parte de un proyecto estatal por reconocer y crear un lazo de identidad por medio de la llamada tercera raíz, representó un punto de encuentro e intercambio con las diversas manifestaciones de la zona, reconociendo la música como parte de la idiosincrasia del veracruzano en lenguajes compartidos culturalmente, que permitió un mejor entendimiento de una región del país poseedor de una configuración histórica y social distinta, la cual se representó con mayor claridad en la música y sin embargo dadas las políticas y presupuestos recortados en ascenso se vio tergiversado con fines meramente electorales, partidistas y justificando gastos presupuestales reflejados en las últimas ediciones de un festival que ha perdido la esencia Afrocaribeña sustituyendo géneros como el son montuno y la música Tropical Mexicana en una organización complaciente y carente de un proyecto que busque conservar y difundir estos ritmos.
Los medios de comunicación
Por otro lado los medios de comunicación que albergaron y dieron difusión a estos ritmos se han transformado en un marco global y destinaron a algunas estaciones de corte cultural y otras mal llamadas tropicales donde el 80 por ciento de su programación la destinan a la música regional norteña, banda, corridos y demás derivaciones del polka y sonidos impuestos por un consumo mediático y mercantil.
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The Pepper Pots: Now

Por algo el productor Binky Griptite (Sharon Jones, Amy Winehouse) decidió producir el disco de estos talentosos Catalanes. Comenzaron en la línea de los sonidos Jamaiquinos con el disco 'Swingin Sixties' y empezaron a enamorarse de los sonidos Soul y Funk, influenciados por el Motown y de bandas como The Supremes, Jackson 5, James Brown, Booker T y más artistas de mediados de los 60 y siguiendo ese coqueteo por los sonidos caribeños en este, su antepenúltimo disco donde muestran una faceta entregada a los sonidos delicados y armoniosos, a las melodías de tres cantantes que dan el máximo en sus voces emulando aquellas grandes agrupaciones de la música del alma. Una agrupación que ya ha dado la vuelta al mundo y a tocado en países de gran tradición musical como Estados Unidos, Japón y los festivales más importantes de Europa. The Pepper Pots representa una de las mejores bandas contemporáneas del soul y confirma ese resurgimiento por la vieja escuela en la estética de grabación como en todo el discurso musical entregado al público tanto en apariencia como en actitud. El mundo puede disfrutar de una nueva sensibilidad hacia la música negra creada por músicos de otra generación y cultura, es por ello que España se posiciona como un lugar donde se están haciendo bien las cosas en cuanto a revivir los sonidos de la vieja y majestuosa escuela, podemos mencionar a The Sweet Vandals, The Cherry Boopers, The Granadians y más proyectos que bajo una nueva concepción nos entregan sonidos de calidad. Después de este gran disco han sacado a la luz dos nuevos hijos Waiting For the Christmas Light que es un disco tributo de canciones de navidad y Train to your Lover, quizás la obra cumbre de esta agrupación pues se podría decir que ya están haciendo las cosas a su antojo tanto en la producción como en el desarrollo de un sonido que ya los caracteriza. Ahora se encuentran trabajando con otro grande de los sonidos viejos el Bostoniano Ely 'paper boy' Reed en otro gran acontecimiento donde habrá que estar pendientes para escuchar el resultado de ese gran encuentro. Y volviendo al disco en cuestión, es un trabajo muy agradable, que alivia algunos males de nuestro tiempo, a disfrutarlo.
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A propósito del Calypso Trinitario...

No es fácil encontrar bibliografía en español sobre el Calypso, existen pocos libros y la información es muy escasa. Me llegan varias preguntas acerca de nuestra supuesta cercanía con el caribe, una cercanía engañosa pues México también es parte de esta zona cultural tan importante y compleja, difícil de delimitar y hacer un balance acertado sobre una historia plagada de cambios, migraciones y transformaciones políticas. El calypso como otras músicas caribeñas es una música que se creó a partir de las migraciones tanto de Europeos colonizadores como de esclavos africanos en la fusión e intercambio de sonidos y culturas. Difícil romper los espereotipos creados a partir de el turismo, los cruceros y ls películas, en los cuáles siempre se relaciona a la música caribeña con negros alegres y bailando, detrás de estos clichés existe una historia de injusticia, hambre y violencia. La música caribeña especialmente la que fue creada por negros no fue reconocida como parte de la cultura hasta hace poco tiempo específicamente a partir de la creación de los estados nación y el nacionalismo. El calypso como otras músicas de esta zona como el Konpa Direk Haitiano, el Zouk, la salsa, el reggae...surgieron como una voz desesperada por el reconocimiento e inclusión social ante un proceso colonizador terrible, ante jornadas extremas de trabajo y las migraciones externas e internas de las islas. El Calypso , originario de Trinidad y tobago surge bajo un proceso cultural entre las contradanzas europeas y la fusión de la polirritmia Africana posiblemente gestado a finales del siglo XIX, ritmo que se expandió por gran parte del caribe anglófono y francófono y se convirtió en un vehículo de identidad de los caribeños. Música llena de ritmo y color, de letras irreverentes y un doble sentido que expresa la necesidad de esa esperanza tan carente en el proceso colonizador y parte fundamental del carnaval Trinitario, evento que hoy obtiene reconocimiento internacional como sinónimo de la alegría y el desenfreno, necesidad latente del ser humano en su proceso cultural. Así como el Calypso y las Steelbands que tienen un proceso distinto en cuanto a la marginación a partir del proceso de urbanización del caribe, en la búsqueda del reconocimiento y ante la prohibición de los tambores africanos y la exclusión, el steel pan, instrumento Trinitario creado a través de los tambos de petroleo, enriqueciendo la música caribeña y generando una nueva forma de instrumentación por medio de de multiples tonos y sonidos, bandas de más de diez músicos que gozaron su reconocimiento y expansión a partir de mediados del siglo XX como símbolos culturales Trinitarios.
El calypso un ritmo que representa la riqueza y el proceso cultural caribeño, el cuál también llegó a países como Venezuela, Costa Rica, Panamá, Estados Unidos, Belice... y se adaptó a nuevos ritmos locales manteniendo esa complejidad rítmica y siendo bien recibido por otras manifestaciones locales. Entre los Calypsonians y Steel bandas más importantes de Trinidad tenemos a Lord Persecutor, Lord Invader, Lord Expleiner, Lord Kitchener, Mighty Sparrow, Lord Shorty y en Panamá tenemos a Lord Cobra como un ícono del Calypso y la música tradicional Panameña. Las influencias Estadounidenses del Funk, Rhythm and Blues y el jazz se hacen presentes también en esta música, podemos encontrar grabaciones de los artistas antes mencionados incorporando elementos a partir de la década del 60, manteniendo esa apertura y convergencia de culturas a pesar de las situaciones políticas adversas y la constante intromisión Yankee a las antillas. El caribe esa zona tan cercana geográficamente pero tan alejada de los valores culturales que nos podrían acercar como pueblos en el reconocimiento de historias semejantes de injustica y voces desesperadas por mejores y justas condiciones de vida, en las que a pesar de la supuesta apertura informática el color de la piel, la avaricia y mezquindad de los poderosos sigue representando un obstáculo hacía nuestro reconocimiento como pueblos.
Les dejo un ejemplo de uno de los más importantes y creativos músicos y orquesta del Calypso.
http://www.mediafire.com/?psqp3vdi3f334x3
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el gran Mighty Sparrow.

The Rhythm Doctors: Reggae Injection

De nuevo volvemos a Los Ángeles, pero retrocediendo diez años y juntando a los mejores músicos de aquella escena, Hepcat, See Spot e integrantes que más adelante formarían The Aggrolites. Una inyección de sonidos instrumentales influenciados principalmente por el estilo de una de las bandas más importantes del reggae Jamaiquino; The Upsetters. Y vaya que este gran trabajo posee las cualidades necesarias para recrear ese sonido funkie-reggae con toda la brisa californiana, melodías melancólicas de una guitarra que me suena de repente a Santo Y Jhonny, e incluso las pocas voces de introducciones a los temas rindiéndo tributo a aquellas voces demenciales realizadas por Lee Perry en sus grabaciones. Un trabajo que fue muy bien recibido por los fans del early reggae y que incluso no le pide absolutamente nada a trabajos actuales de los integrantes de los doctores del ritmo. Siempre he dicho que es importante moldear el sonido en el estudio de acuerdo al género, y más si se trata de reggae, y en este disco encontramos un balance adecuado entre recopilar ese sonido áspero y oscuro de antaño añadiendo nueva sensibilidad y potencia en la base. Psicodelía, órganos que se introducen hacía los pies para hacernos bailar, una guitarra qcon mucho ritmo y una base contundente es lo que encontrarás en este trabajo de más de una década de haber salido a la luz pero que como en una ley de la música, lo que es bueno siempre estará vigente.
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Eddie Palmieri and Cal Tjader: Bamboleate

Un disco de ligas mayores, un documento que juntó a dos grandes monstruos de la música popular contemporánea, Cal Tajder el vibrafonista más importante del jazz latino, y Eddie Palmieri uno de los grandes inovadores, visionarios y genios del piano y la música Afrolatina. Un disco impecable que navega por los caminos de la tradición afrocubana y que incorpora ese sonido hipnótico y cálido del vibrafono, un personaje trascendental en el jazz latino, un Cal Tjader que grabó centenares de discos, sextetos, quintetos como uno de los portavoces a la par de Tito Puente, Wilie Bobo, Mongo Santamaría... Bamboleate es un disco que sorpende por su colorido, y por ser el puente perfecto entre el jazz y la música latina, sin olvidar la magestuosidad de la orquesta de Palmieri 'La Perfecta', con un Ismael Quintana poseedor de una voz que me sigue cautivando, un Barry Rodgers que transformó el trombón en la música latina y le imprimió esa intención callejera y desesperante en cada nota y solo que realizaba, ni que decir de un Many Oquendo, uno de los mejores timbaleros que dió esta música en un matrimonio más de música y ritmos nacidos en América. Un disco que fusiona la impresionante creatividad de Eddie Palmieri y el resultado puede considerarse como una obra cumbre de sonidos y experimentación. Cal Tjader el embajador más importante del vibrafono en el jazz latino y Eddie Palmieri, un disco que fue grabado por casualidad, una casualidad de sonidos embriagantes.
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Lee Scratch Perry Produced and Directed by The Upsetter

Se habrá imaginado Lee Perry el sonido que moldeó en el estudio Black Ark durante diez años?. Si pudiera hacer una comparación con algún artista de la pintura, escultura o la arquitectura Lee Perry estaría dentro de los más importantes del siglo XX, y por qué lo digo?, quizas a primera escucha la música grabada en aquel estudio resulte estridente, acuosa y caribeña, hace falta dedicarle el tiempo y la sensibilidad necesaria para ir comprendiendo la magnitud de sus creaciones y el aporte que más adelante se vería en la música popular contemporánea. La obra de Lee Perry en ese estudio abarca más adjetivos y resulta un perfecto campo de investigación sobre lo que realmente sucedió y cuanto talento pasó por esas filas, las grabaciones en aquel lugar, que el mismo Perry termino quemando y llévandose con el sus demonios e historias de todo tipo, desde los excesos con el alcohol y las drogas hasta maravillosas composiciones llenas de armonia y esperanza. Un personaje que participó en todo el desarrollo de la música Jamaiquina y siempre vió más allá de sus límites, un visionario del sonido, un artista de las texturas y dimensiones sonoras.
Pressure Sounds, disquera inglesa que se ha dedicado a recopilar trabajos de gran riqueza con unas portadas increíbles y contenidos sonoros llenos de raíces, que hoy se presenta como una de las mejores alternativas en cuanto a recopilaciones e investigaciones de la infinidad de música grabada en la isla, juntando en los discos todas esas joyas perdidas y poniéndolas al alcance de los fanáticos.
Produced and Directed By The Upsetter es una verdadera obra de arte en el reggae y dub Jamaiquino, es una recopilación llena de colores y cadencia caribeña, de dolor y angustia por demandas que aún no son escuchadas, de experimentación y capas sonoras. Escuchar un tema como el The Meditations 'Houses of Parliament' es entender esa sensibilidad y comunicación que nos remite inmediatamente a unas raíces africanas que resaltan en otras composiciones de este gran trabajo como I man Free, Financial Crisis... Otro de los discos de mi década.
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Sub Oslo: Las llaves de la Vida.

Y cuando los días lluviosos se siguen apareciendo por las calles, cuando la humedad de la lluvia se entromete en cada espacio de nuestras vidas, el verano mexicano húmedo y ambivalente, frio, calor, frio. Será que en estos días los recuerdos me han invadido, memorias pasadas que tienen que ver con sonidos, con escencias sonoras que han marcado parte de mi vida, y así fue cuando adquirí este disco en una tienda en Barcelona hace unos años, y la portada llamó la atención, la edición de bajo presupuesto alemana de Glitterhouse Records y temas que venían en español, Mi familia re-dub, melafrica, celestial dub. No tenía idea que se trataba de una banda de Dub Texana, ni que parte de la banda tenía raíces latinas, tampoco que eran de Denton, Texas. Dónde está eso?, no importaba, sólo me preocupaba que el disco fuera malo y gastar los últimos euros que tenía en la bolsa antes de regresar a México. Decidí arriesgar, que más daba, en aquel viaje ya había errado algunas compras y una más no sería nada extraño. Honestamente estaba nervioso, pues el disco de edición alemana había salido en una cantidad bastante elevada para este mexicano clase mediero en Europa. Llegué a donde me estaba quedando y lo escuché, me sorprendió lo experimental de su contenido, la atmósfera, un bajo inmenso que sólo pretendía sonar lo sufucientemente fuerte para cautivar a los fanáticos de artistas como Bill Laswell, Twilight Circus y King Tubby. Es un disco que atrapa por su cadencia y paisaje sonoro, por su experimentación ingenua y espacial. Puedo mencionar melafrica y reel to reel dub, como el éxtasis del disco donde los ladridos del perro después de tres minutos de minimalismo en el piano pueden asustar y sacar de onda a cualquiera, para después darle entrada a una base desesperante que grita dentro de los sueños. Disco de sólo seis temas, banda de sólo tres discos y algunas recopilaciones, música que fue creada para disfrutarse en círculos reducidos, en lugares cerrados, en ambientes intimistas y mágicos, Sub Oslo 'Dubs in The Key Of Life', otro de los discos de mi década.
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The Robustos: The New Authentic

Y por fin le tocó a uno de los albumes que más han influído en mi vida en cuanto a sonidos Jamaiquinos se refiere, un disco que me trajo mi mejor amiga de España hará ocho años y que inmediatamente se convirtió en un clásico del soundtrack de mi vida. Si ya con un primer disco habían cautivado mi alma con esa mezcla perfecta entre ska, rocksteady, reggae, jazz, rhythm and blues, la voz de Tonya Abernathy como el complemento perfecto para hablar de una nueva generación de jóvenes entusiastas por la reinterpretación de la música negra en Estados Unidos resaltando la frescura tanto en las melodías de los vientos como en la hermosa voz de Tonya. Hace una semana bebía con unos amigos y les decía que este material a mi juicio era considerado como uno de los mejores discos de música Jamaiquina contemporánea, la tercera ola de esta música en Estados Unidos merece atención cuando hablamos de bandas como The Robustos, que no sólo repitieron las bases de estos géneros si no que nutrieron con sus propias influencias y enriquecieron aún más una música que desborda calidéz. Pero que podríamos esperar si como referencias propias se enriquecieron con la música de Smokey Robinson, Otis Reding, Etta James, Booker T, Erma Franklin sólo por decir de algunos, y que aunados a la música heredada de Stranger Cole, Jimmy Cliff, Phylis Dillon, Bob Marley, big Youth,The Skatalites, dan como resultado un disco que propone nuevos caminos para el entendimiento sonoro de las culturas americanas. Una banda que dejó de existir y que incluso este material hasta hace unos años resultaba muy dificl de conseguir pero que hoy disfrutamos y sigue siendo un disco lleno de colores, ritmos y calidad. El puente perfecto entre Jamaica y Estados Unidos, no exagero es una joya casi desconocida. Sólo me gustaría preguntar, dónde estás Tonya Abernathy?
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Joey Altruda: Kingston Coctail

El jazz es una música de mezclas, lo dice Luc Delanoy en su libro !Caliente! 'Una Historia del Jazz Latino' donde incluso nombra al músico realizador de este trabajo que llevaba años buscando. Es una música que como dice Delanoy no surgió un día de la mente de alguien, fue un proceso que se fue construyendo al paso del tiempo conforme a los intercambios culturales y a las migraciones de seres humanos por el exilio hacía mejores condiciones laborales. La música de América, principalmente la música creada por los esclavos traídos involuntariamente puede representar la mejor forma de liberación a las cadenas y a la barbarie realizada por Europa en América. El jazz tiene una gran influencia caribeña en su proceso socio-cultural, principalmente de Cuba y Haití, en nuestros días una isla que sigue manteniendo una idea revolucionaria ambigua y una isla Haitiana que vive en las condiciones más lamentables y penosas de nuestros tiempos, resultado de dictaduras, guerras y hambre. El caribe vivió distintos procesos en cuanto a la asimilación y re interpretación de la realidad y la historia, Jamaica vivió un proceso distinto, donde a mediados de la década del 50 se gestó una revolución sonora que daba respuesta a un proceso de urbanización y asimilación de la música Estadounidense, principalmente del Rythm and Blues y el jazz que dió como resultado el ska, el rocksteady el reggae y el dub; Jamaica había creado su propia música ritmos que se han ido transformando y reinventando y que en nuestros días se han convertido en parte del imaginario de distintos lugares y escencias en el mundo. Joey Altruda músico Angelino ha realizado desde una óptica contemporánea una fusión rítmica importantísima, sus trabajos y experimentación con Jump with Joey dan cuenta de ese matrimonio entre la música Jamaiquina, mambo, latin jazz y lounge, es lo que también contiene este disco que hace esa fusión más enfocada hacía el lounge y el jazz, con una base con un fuerte aroma a Jamaica. Altruda maneja a su antojo el contrabajo y la base rítmica, incluso jugueteando con el mento y los ritmos burrus, realizando un disco lleno de color y cadencia, tal vez al no posicionarse dentro de las élites jazzisticas y ser un 'outsider' tanto de la farolez institucional de los artistas en festivales y disqueras, Altruda se ha mantenido en un subterráneo bastante elevado, asimilando una variedad de ritmos y culturas realizando 'el matrimonio perfecto' diría Chano Pozo y Mario Bauzá de la música popular Afroamericana. Demostrando con su música el por qué es mencionado en uno de los libros más importantes que se han escrito sobre el jazz latino hasta la fecha.
http://jumpwithjoey.blogspot.com/

A cuban Funk Experience! Funky Sounds from Cuba and Miami 1973-1978

Una recopilación muy interesante de los sonidos Funkys realizados en Cuba y Miami durante una época trascendente en la fusión de ritmos en Cuba, pues si bien la revolución y el bloqueo gringo amurallaron la Isla existieron muchos músicos y orquestas que experimentaron tanto en Cuba como fuera de ella la revolución musical del Funkie y los ritmos realizados en USA, y si bien el Songo como ritmo experimental que más adelante se volvería muy popular en la música cubana y bandas como Los Van Van e Irakere fueron pilares en la incorporación a la música tradicional cubana de batería, sintetizadores de la época y la riqueza musical cubana que ya estaba haciendo historia en Nueva York con el movimiento de la Salsa y el boogaloo, Cuba no se quedó atrás y experimentó con otros ritmos alejados de la tradición impuesta por el régimen y abrió sus horizontes más allá del bloqueo, para muestra esta gran recopilación de un tiempo en el que la música Afroamericana se encontraba en gran crecimiento y experimentación.
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Pulshar: Adentro

Si existiera un manual de discos que van acorde con nuestro estado de ánimo podría recomendar este. Hay días en que uno se despierta con la incertidumbre de no saber hacía donde va la nave, qué es lo que pasa?, es realidad o ficción los pensamientos y demonios que recorren nuestras mentes, si existiese música para esos días, escogería este disco. También creo que si existiera otro manual de discos para escucharse bajo los eféctos del THC, con ese efecto narcótico de pasividad y sensibilidad auditiva los pulshar estarían ahí, claro que si lo que esperas es un disco de dub-techno para bailar estás en el lugar equivocado. Pulshar es un duo Catalán que ha sacado a la luz este segundo disco titulado 'Inside', con texturas y paisajes llenos de melancolía e introspección. Influenciados por Rhythm and Sound, Sterotype, Jahcoozy, y los clásicos, nos presentan una grabación que genera algo dentro que no es tristeza, es ese sentimiento de expectativa melancólica que tiene el dub, acompañado por una voz que no viene del caribe pero tiene el suficiente 'soul' como para acompañarte en esos momentos saliendo de la realidad ya sea con la ayuda de la yerba incomprendida o con la mejor compañía para tocarse y besarse.
http://www.myspace.com/pulshar

Ikebe Shakedown: La belleza Afrodélica.

Y la herencia de Fela Kuti, Manu Dibango, Fania all Stars, Curtis Mayfield y todos aquellos reyes de los ritmos y música heredada de áfrica se sigue haciendo presente en ciudades como Nueva York. Pareciera que la música enseñada en las escuelas y los métodos tradicionales estan volteando a toda esa música creada a partir de la década del 50 en el continente negro, américa y el caribe, pues siguen saliendo proyectos que plasman todas esas influencias y las representan con un nuevo brillo y perfección no del virtuosismo académico si no de la comunicación y la concepción de la base, los vientos y las guitarras que poseen el ritmo necesario para hacer bailar a las nuevas generaciones. Y como antecedente en Estados Unidos, en ciudades como la de la gran manzana, Chicago y Los ángeles de bandas como Antibalas, Sugarman, Orgone, Quantic Soul Orchestra, Kings go Fort, Sharon Jones and The Dapkings, Chicomann, que han recreado y fusionado la diversidad de ritmos y culturas que se han asentado en el país vecino, incluso volviendo a las formas tradicionales de grabar esta música sin tantos procesadores y mecanismos actuales. Y eso es lo que tiene esta joya discográfica de Ikebe Shakedown en la fusión de Afrobeat, funk, dance y boogaloo, ofreciendo un disco lleno de color y rítmica funkie. Con pasajes oscuros de unos vientos poderosísimos y una sección percutiva de aplauso. Jóvenes Newyorkinos de la escuela de música que decidieron emprender uno de los proyectos que en lo personal más han transgredido la música negra contemporánea. Para disfrutarse una y otra vez.
http://www.ikebeshakedown.com/
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Rootical Sessions: El dub como modo de vida

Hace ocho años y recordando estos días lluviosos sería mi primera experiencia de un concierto de dub en vivo, en esos tiempos empezaba a escuchar y a enamorarme de la música negra, principalmente de la música Jamaiquina y del dub. Un año antes cuando trabajaba en una tienda de discos un amigo me enseñó el flyer de un concierto que se haría en el museo ex teresa arte actual de la ciudad de México, lamentablemente por cuestiones de trabajo no pude asistir. Meses después un ingeniero de sonido me comentó que había visto por primera vez a Mad Professor y parte del crew de Ariwa Sounds y su rostro me lo dijo todo: estuvo brutal comentó. Un año después el bajista de mi banda fue al DF y trajó un flyer en el que se anunciaba la visita de Lee 'Scratch' Perry y Mad Professor, el lugar aún estaba por confirmar. En ese tiempo trabajaba para comprar discos, me quedaba sin casi nada cuando llegaba la quincena y la mayoría de aquellos discos eran del Upsetter, ese personaje mágico y lo suficientemente importante como para afirmar que la música no volvió a ser la misma a partir de sus creaciones y creatividad con el dub y el reggae. Estuvimos a la expectativa de aquel concierto pues honestamente no creíamos que pasaría, y pasó. El concierto cambió de lugar y aquel siete de junio de 2003 hicimos una especie de carabana a la ciudad de México, varios integrantes de mi banda y amigos cercanos, era un día lluvioso, nublado, como buenos provincianos no sabíamos como llegar al centro de convenciones Tlatelolco para presenciar un concierto que sin exagerar cambió mi vida. Lo que sucedió aquel día era algo extraño para nosotros, conocíamos ya un poco de esta música, encontrabamos en la música de King Tubby, Scientist, Prince Jammy, Skatalites algo que nos movia desde adentro, algo que hasta la fecha sigue cautivando nuestro corazón y sentimientos. En lo personal había escuchado poco de Mad Professor, tenía algunas grabaciones en cassete de discos realizados entre Mad Professor y Lee Perry, pero ese día toda mi concepción cambió. Salieron a escena dos mujeres negras con voces llenas de poder y personalidad, eran Zakeya y Aisha, nos dejaron perplejos, no habíamos escuchado ese estilo ragga electrónico, heredero del dancehall y el reggae de raíz, bailamos y gozamos para dar entrada al gran Lee Perry, que sólo nos tuvo cautivados poco tiempo, puedo decir que fue impresionante solo verlo, después siguió Mad Professor y su show de dub electrónico, de ahí en adelante todo fue dub en su máxima expresión potencia, raíces, tecnología y cultura. Esto seria el parteaguas de lo que se vendría más adelante en México, Rootical Sessions y su creador Rodrigo Ponce empezarían a generar en el país un gusto y una afluencia de artistas internacionales de renombre,en resumen puedo decir que a la fecha Rootical Sessions junto a Hermandad Rasta y el inicial festival Razteca han trazado nuevos caminos para la música reggae en México.
Muchas veces hacer cosas en México requiere demasiada energía, no sólo influye que la afluencia a los eventos sea mayor,desgraciadamente mantenemos la mentalidad de apedrear el trabajo ajeno y obstaculizar el crecimiento de las cosas, imagino que ese ha sido parte del camino de Rootical sessions, que no ha parado de traer artistas tan importantes como Mad Professor, Vibronics, Twilight Circus, Alpha y Omega, Brother Culture, Israel Vibration, Mungos Hi-Fi dentro de los más importantes. Me atreveré a decir que México se ha convertido en una parada obligada para la música dub, incluso con mayor afluencia que otros países de Latinoamérica y Estados Unidos aunque parezca increíble, quizás Brasil y su movimiento también gozan de muy buena salud. Después de 9 años de vida además de todos los conciertos realizados el proyecto ha creado el sello Invasión Records junto a Bungalo Dub, con el cuál han realizado varias grabaciones junto a cantantes, músicos mexicanos y extranjeros, así como influenciar a nuevas generaciones al gusto e interés por esta música y su mensaje. Hasta hace casi una década no imaginabamos que el trabajo de rootical, así como el de Hermandad Rasta, Lex Prod y otras productoras y sellos nacionales hayan llevado el dub como una forma de vida, sin apoyo de los grandes consorcios y mercaderes de la música, que en nombre de la rebeldía y la revolución se disfrazan y desvirtuan la escencia de las cosas. Este movimiento ha crecido gracias también a toda ese gente que ha ido apoyando los conciertos, a todo ese público que ha encontrado en el dub una música sanadora ante una realidad bastante negativa ante las demandas y necesidades sociales. Larga vida a Rootical Sessions que a pesar de los obstáculos y riesgos ha salido ha flote por el bien común de la música. Izak Rivera

Mute Beat: El culto a los sonidos caribeños.

Japón es un lugar donde la música efervesce y genera pasiones desbordadas. Como ejemplo están múltiples géneros que se han quedado en la isla del sol naciente y han generado movimientos con la sensibilidad nipona que no tienen nada que pedirle a la música creada en occidente aunque tampoco estaré de acuerdo en aquella estupidéz que habla mucha gente al decir que todo lo quieren copiar y hacer mejor. Probablemente su cultura sea altamente competitiva, y que para llegar a ser escuchado hay que renovar los sonidos, dar un extra en la producción. Me refiero a ese gran movimiento de música caribeña existente en japón, algo con décadas de existencia y que incluso ha crecido a la par del rock y el pop, pues si nos remitimos a este gran albúm en el que participa nada más y nada menos que King Tubby y Lee Perry con esta agrupación japonesa principalmente instrumental, donde el líder Kazufumi Echo Kodama dió rienda suelta a sus pasiones por el dub, el reggae y el ska, nos podremos dar cuenta que el desarrollo de esta música en Japón ya estaba en boga, incluso la producción parecería de un disco de Dub jamaiquino aunque a mi parecer las melodías de los vientos que son los principales protagonistas de esos mute beat nos remiten a sonidos de la isla del sol naciente que se conjugan perfectamente con la batería, el bajo y los teclados. Este material mezclado en tres lugares distintos, Japón, Jamaica y Nueva York en 1985 y que salió bajo el sello Wackies es un trabajo que se ha convertido en una pieza de culto dentro de los coleccionistas pues tiene probablemente los últimos trabajos del rey tubby en la consola, además de la participación de Lee 'Scratch' Perry y el sonido Japonés ya bastante desarrollado en cuanto a su concepción del dub. Disco difícil de adquirir pero que vale bastante la pena tanto en su valor musical, como en el valor histórico que tiene.
http://www.lastfm.es/music/Mute+Beat